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Prix
Sculpture / Arts plastiques
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Cet ouvrage retrace cinq siècles de sculpture à travers le travail de 300 artistes femmes venues de 64 pays. Les sculptrices rassemblées ici sont représentatives de multiples mouvements, genres et techniques, mais ont pour point commun leur imagination et leur créativité sans faille. Troisième volet d'une collection en réponse à l'essai fondateur de Linda Nochlin paru en 1971 « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? », le présent ouvrage célèbre la vie et l'oeuvre de celles qui ont mis la sculpture au centre de leur art. La sculpture défie toute catégorisation. Qu'elles soit temporaires ou permanentes, installées en intérieur ou à l'extérieur, de petite ou de grande dimension, qu'il s'agisse de sculptures ou de moulages, d'assemblages ou d'installations in situ, qu'elles soient faites de marbre, de bois, de textile ou de céramique, les oeuvres de cet ouvrage révèlent l'immense talent artistique des femmes qui ont adopté ce médium marqué par sa plasticité. Parmi les artistes présentées ici, certaines ont créé des oeuvres sculpturales alors même qu'on leur refusait de se former ou qu'elles n'avaient pas les moyens de rendre visible leur travail, d'autres ont été négligées par l'histoire, d'autres encore ont été reconnues de leur vivant. Ensemble, elles racontent une version plus diverse de l'histoire de la sculpture. Présentant les sculptrices par ordre alphabétique, Sculpture au féminin invite à établir entre les artistes et les oeuvres de nouveaux liens et des juxtapositions surprenantes qui dépassent les classifications chronologiques ou géographiques. Chaque artiste est présentée par un texte explicatif illustré d'une oeuvre clé. Cet ouvrage met à l'honneur de grandes figures de la sculpture, historiques et contemporaines, ainsi que des étoiles montantes, afin de témoigner de la créativité des femmes artistes du passé tout en proposant des perspectives aux générations futures.
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Alberto Giacometti : Ne pas parler des sculptures peintes
Collectif
- Éditions Fage
- 23 Août 2024
- 9782849757765
« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
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Artiste contemporain né à Barcelone en 1955, Jaume Plensa commence à exposer, au début des années 1980, des volumes en tôle découpée et soudée, en fonte d'acier, puis des installations procédant de techniques de plus en plus variées. Des emprunts à la littérature et à la poésie, parfois la sienne, viennent mêler le verbe et la citation à la matière sculptée ou dessinée. Dans les années 1990, la lumière et la transparence du verre ou de la résine accompagnent la prise en compte nouvelle du corps humain et de son échelle. Une famille de silhouettes anonymes et méditatives peuple aujourd'hui l'univers de Jaume Plensa.
En 1994, il est invité par la ville de Valence pour exposer dans l'espace urbain et dans les salles du musée municipal. Plutôt que d'exposer au musée, l'artiste choisit de créer 21 portes en fonte d'acier, qu'il fit installer dans 21 lieux emblématiques de la cité. Répondant à l'invitation renouvelée de la ville, le sculpteur et dessinateur de renommée internationale livrera prochainement une sculpture de 4 mètres de hauteur réalisée en acier inoxydable. Composée à partir des différents alphabets du monde, lettres et symboles s'entrelacent de manière aléatoire telle une dentelle de métal déployant le dessin d'une silhouette qui, en position assise, évoque un corps humain autant qu'une communauté universelle.
L'ouvrage propose une déambulation libre entre la proposition imaginée en 1994 et celle pensée pour la place des Ormeaux en 2024, au coeur du centre historique. Il offre aussi une large part à la production graphique de l'artiste. Dessins et estampes entretiennent des relations étroites avec le corps humain et s'associent aux mots des plus grands poètes et dramaturges - Dante, Baudelaire et Shakespeare... - comme à ceux de la Déclaration universelle des droits de l'Homme. -
L'exposition présentera une soixantaine de sculptures et autant de dessins, de peintures et de gravures. Les oeuvres seront mises en regard, dans un dialogue inédit, avec celles des artistes qui l'ont marqué pendant son séjour en Belgique. La Belgique est le berceau rodinien, c'est là que l'artiste naît à lui-même. Les six années d'expatriation en Belgique entre 1871 et 1877 doivent être considérées comme séminales pour l'artiste. Il change alors de statut : d'ouvrier- artisan au service de Carrier-Belleuse, il devient un artiste pleinement indépendant. Mais la Belgique c'est aussi le pays où se tient sa première exposition personnelle, en 1899, une exposition itinérante qui débute à Bruxelles. Rodin est alors en pleine possession de ses moyens : l'année suivante d'ailleurs il n'hésitera pas à faire construire un pavillon place de l'Alma à Paris pour y présenter l'ensemble de son oeuvre au public attiré par l'Exposition universelle. L'exposition de Mons se propose de mettre en lumière son cheminement artistique pendant cette période d'environ 25 ans au terme de laquelle il apparaît à la fois comme l'une des figures majeures du panorama artistique parisien et le précurseur du XXe siècle.
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Sakountala l'un des chefs-d'oeuvre de Camille Claudel, est un fil permettant de retracer la carrière de l'artiste. Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition « Camille Claudel à l'oeuvre : Sakountala », présentée au musée Camille Claudel de Nogent-sur-Seine, revient sur le contexte de création de cette sculpture, l'histoire très mouvementée de sa réception ainsi que ses multiples avatars, de L'Abandon à Niobide blessée en passant par Vertumne et Pomone.
Ce catalogue offre aussi des éclairages sur la source littéraire très originale qui a inspiré Camille Claudel : La Reconnaissance de Sakountala, un mythe issu de la littérature indienne ancienne. En vogue en Europe à l'époque de la sculptrice, celui-ci a donné lieu à différentes traductions mais aussi à des adaptations scéniques, en ballet ou au théâtre, tout au long du XIXe siècle et encore au XXe siècle.
Textes inédits et notices d'oeuvres proposent ainsi un regard renouvelé autour de cette oeuvre majeure, la seule qui ait valu à Camille Claudel une récompense au Salon et qu'elle n'aura eu cesse de reprendre jusqu'à la fin de sa carrière. -
Tout en ancrant sa pratique dans la continuité de l'art antique et de la Renaissance, Auguste Rodin (1840-1917) a ouvert la voie à la sculpture moderne. Loin de respecter les codes iconographiques classiques, il s'intéressa, très tôt, au mouvement, à l'expression du corps, à l'accident et au fragment ; donnant vie et forme à des chefs-d'oeuvre pour lesquels il est universellement reconnu, comme en témoignent des icônes telles que Le Baiser ou Le Penseur.
Réalisé en collaboration avec le musée Rodin, cet ouvrage revient sur les années de formation du maître comme sur les étapes les plus essentielles de sa carrière. La genèse des oeuvres et des monuments est retracée d'un point de vue historique mais aussi esthétique afin de mieux comprendre les liens qui existent entre toutes ses créations. Passage du plâtre au marbre, travail sur la terre cuite, agrandissements et assemblages : le lecteur est invité à découvrir, de l'intérieur, l'atelier de Rodin et à ressentir toute la puissance et la poésie de son geste créateur ; geste riche en innovations et en transgressions dont les dessins érotiques de Rodin portent également la marque.
Source d'inspiration intarissable pour plusieurs générations d'artistes, Rodin a su transmettre sa passion pour l'observation de la nature, la saisie du vivant et la vérité des formes avec une force inégalée. C'est à la découverte ou la redécouverte de cet inestimable héritage que le livre de François Blanchetière s'attache avec succès. -
« Rien ne pousse à l'ombre des grands arbres ! » C'est ainsi que Constantin Brancusi (1876-1957), venu des Roumanie parfaire sa formation de sculpteur auprès du célèbre Rodin, se détache du maître pour tracer sa voie. Après des siècles de sculpture basée sur le modelage, il initie une petite révolution : pour lui, rien ne vaut la taille directe ! Il se confronte aux matériaux - le bois, la pierre, le marbre - dont il extrait des formes épurées, mais jamais abstraites. Il travaille bien souvent en série, déclinant un même sujet jusqu'à trouver la forme idéale. Son atelier lui-même est un véritable chef-d'oeuvre, aujourd'hui reconstitué au Centre Pompidou, où ses oeuvres dialoguent entre elles. Découvrez avec Brancusi comment la sculpture est définitivement entrée dans l'art moderne...
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Le grand livre du manga : création des personnages, colorisation, effets spéciaux
Collectif
- Marabulles
- 13 Avril 2022
- 9782501170376
Ce guide complet du dessin de manga aborde tout ce qu'un mangaka en herbe doit apprendre, du choix du matériel indispensable à la création de personnages en passant par les effets spéciaux à l'aide de logiciels.
Que vous soyez débutant ou dessinateur confirmé, vous trouverez toutes les inspirations et techniques pas à pas pour maîtriser l'art du manga :
- anatomie, postures et expressions, - numérisation et colorisation, - styles et genres - aventure, action, fantasy, « chibi » et romantisme... -
Présentation de la première rétrospective française consacrée au plasticien hongrois, installé à Paris depuis les années 1930. Les auteurs retracent son parcours et les étapes de son cheminement artistique. Inventeur de l'art optico-cinétique, son oeuvre touche particulièrement l'imaginaire populaire de la seconde moitié du XXe siècle.
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Pour entrer dans l'univers du peintre, par ordre alphabétique : tous les lieux, les artistes qu'il a fréquentés, ses oeuvres, ses procédés stylistiques et son univers.
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La sculpture est la seule forme d'art plastique que l'on puisse apprécier les yeux fermés. Elle suppose le toucher, éveille le désir irrépressible de caresser, d'effleurer ce qui se présentent sous nos yeux, d'en éprouver la texture, de dessiner les courbes à notre tour, cherchant ainsi le chemin emprunté à l'origine par l'artiste.
Dans la sculpture, tout est affaire de corps, de chair, de désir. La quête même d'un désir primal, instinctif, l'envie enfantine de plonger ses mains dans la terre jusqu'au coude, de la malaxer, puis de l'animer. Le travail technique est aussi important que l'acte de conception et de création. Il élude tout hasard, le ciseau du sculpteur ne pouvant se permettre de rater sa cible.
Le sculpteur doit se soumettre à la loi de la matière pour ensuite tenter de lui supplanter la sienne. Quel est donc cet acte de sorcellerie qui donne vie à l'inanimé ? Quel est donc ce regard intérieur si singulier qui exige de se représenter une forme avant même qu'elle n'existe ?
Les écrivains ont tenté d'approcher cette énigme, de s'en saisir en suivant les mouvements qu'impose l'observation d'une statue. Les textes choisis ici abordent les facettes multiples de ce mystère: tant la plongée dans la sensualité de la technique que la force des émotions suscitées par les oeuvres, ou encore les témoignages des artistes eux-mêmes
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Nouv.
Louis XIV par le Bernin : Le génie et la majesté
Collectif
- Silvana Editoriale
- 16 Juin 2025
- 9788836661039
1665. Louis XIV est l'arbitre de l'Europe. Au service des papes, Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin, est l'artiste le plus illustre de son temps. Au terme d'intenses tractations, Le Bernin quitte Rome pour Paris où, accueilli comme un prince, il séjourne du 2 juin au 20 octobre.
Venu pour bâtir la cour Carrée du Louvre, Le Bernin reçoit également du roi la commande de son portrait en marbre. L'artiste se met alors à l'ouvrage avec passion. L'atelier devient un spectacle où défile la Cour, tandis que les séances de pose rapprochent le jeune monarque épris de gloire et le sculpteur au sommet de son art. Le buste sera leur oeuvre commune : Le Bernin l'a considéré comme son meilleur portrait, Louis XIV l'a gardé toujours près de lui, au Louvre puis à Versailles.
Consacré au buste de Louis XIV par Le Bernin, cet ouvrage retrace la genèse et la réception de ce chef-d'oeuvre absolu de l'art baroque, fruit du génie et de la majesté. -
Calder ; forgeron de géantes libellules
Collectif
- Gallimard
- Livres D'art
- 6 Juillet 2017
- 9782072733284
Ce catalogue présente l'exposition estivale du musée Soulages à Rodez. Alexander Calder est l'un des maîtres incontestés de la sculpture mondiale du XXe siècle. Ses oeuvres, des plus petites aux plus grandes dimensions, allient la légèreté, l'aérien, et le métal que l'on assemble. Dans un monde délicat fait d'instabilité entre ciel et terre, Calder trouve un précieux équilibre des formes tout en exaltant le mouvement. Créateur des célèbres sculptures en mouvement, notamment Stabiles et Mobiles, il est l'inventif «fil-de-feriste» qui réalisa à partir des années 1920, modestement, des figurines de cirque, des animaux, des personnages, des visages, pour inscrire ensuite, naturellement, au fil des ans, sa sculpture dans un art cinétique, mouvement par lui-même.
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Revue Dada n.235 : les impressionnistes
Collectif
- Éditions Arola
- Revue Dada
- 28 Février 2019
- 9782358801256
Dans les années 1870, de jeunes artistes rêvent d'une nouvelle manière de peindre. Le public est sans pitié avec ces rebelles, et un journaliste se moquera d'eux en inventant le surnom « impressionnistes » !
Mais aujourd'hui, ce sont les artistes les plus célèbres au monde.
DADA vous raconte leur fantastique histoire...
Plus qu'un mouvement, l'impressionnisme est un groupe de peintres dissidents, qui vont révolutionner l'art académique de l'époque : nouveaux sujets pris dans la vie quotidienne, nouveau style, nouvelle méthode en plein air...
DADA, vous dresse le portrait de ses membres fondateurs : Monet, Renoir, Cézanne, Degas... que des hommes ? Non, les femmes ne sont pas en reste !
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J'apprends à dessiner : les personnages fantastiques
Collectif
- Fleurus
- J'Apprends À Dessiner
- 28 Mai 2021
- 9782215175537
Une méthode reconnue et facile, en quatre étapes, pour apprendre à dessiner comme les grands ! Le vocabulaire des formes permet à l'enfant de réussir tous ses dessins. Ce livre présente 9 modèles de personnages fantastiques inspirés par les contes, les dessins animés ou encore le cinéma : gobelin des cavernes, cavalier maléfique, reine des dragons, arbre magique, gardien de la forêt, elfe, orque guerrier...
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Au moment où la peinture d'Anselm Kiefer fait l'objet d'une série de rétrospectives en Europe (Londres en 2014, Paris en 2015), la Bibliothèque nationale de France a souhaité apporter sa contribution en exposant la part la plus secrète et la plus personnelle de sa création : ses livres, ou, pour mieux dire, ses « livres-sculptures ». À rebours des manifestations marquées par la dimension monumentale de son art, la présente exposition met au jour l'intimité, la délicatesse et la poésie de son oeuvre.
Anselm Kiefer a, de fait, créé spécialement pour la Bibliothèque nationale de France une installation qui reconstitue tour à tour son atelier et sa bibliothèque, qui sont d'ordinaire inaccessibles au public. Suivant un parcours thématique, stylistique et chronologique, l'exposition présente plus d'une centaine de livres qui résonnent avec une dizaine d'oeuvres - tableaux et sculptures récents - inspirées par le livre.
Le catalogue de l'exposition, le premier consacré à ce jour en France aux principaux livres de Kiefer, illustre leur richesse visuelle et la diversité de leurs thèmes - l'histoire, la kabbale, les femmes, les mythes, les cosmogonies. En quelque sorte une summa, qui donne à voir dans la singularité de chacun des livres l'idée même du Livre qui nourrit la réflexion et l'imaginaire de Kiefer. « L'alchimie du livre », nous la voyons à l'oeuvre à la Bibliothèque nationale de France, devenue, le temps de l'exposition, l'athanor où se transforment le sable et le plomb.
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"Je dessine des monstres - bien gentils, bien doux, bien inoffensifs - bien ridicules à côté des monstres vrais et vivants qui bouleversent maintenant le monde." Léopold Chauveau, 27 septembre 1939
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Claude Monet (1840-1926) est souvent perçu comme le chef de file des impressionnistes. Mais il est aussi un grand jardinier, un peintre réaliste, un chasseur de fantômes, un voyageur infatigable et un étrange serial painter.
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Nouv.
Nouveaux regards sur Michel Colombe (v. 1430-1512)
Collectif
- Lienart
- Monographies
- 29 Mai 2025
- 9782359064681
L'ouvrage met en lumière une oeuvre exceptionnelle de la production tourangelle du début du XVIe siècle : la Vierge de La Carte de Michel Colombe (v. 1430-1512). Cette sculpture, longtemps conservée dans une collection privée, n'a été visible qu'une seule fois par le grand public, lors de l'exposition France 1500 au Grand-Palais, en 2010. En 2022, le Louvre en fait l'acquisition et la restaure.
Le prêt de la statue est l'occasion de présenter cette oeuvre unique dans son contexte de création, celui de la commande du grand financier Jacques de Beaune pour le tympan de la porte d'entrée de la chapelle du château de La Carte à Ballant-Miré. Elle s'impose comme une oeuvre remarquable, par l'impression de réalité qu'elle dégage, se distingue dans la production de son temps, et doit en particulier être rapprochée de la Vierge à l'Enfant peinte par Jean Fouquet.
Peu d'oeuvres nous sont parvenues de Michel Colombe, pourtant le sculpteur le plus réputé à Tours dans ces années, qui est notamment l'auteur de la médaille commémorative de l'entrée de Louis XII et Anne de Bretagne à Tours en 1500, et auquel la reine a confié la réalisation des tombeaux de ses parents (cathédrale de Nantes) et de ses enfants (cathédrale de Tours).
La Vierge de La Carte est ainsi mise en parallèle avec une autre oeuvre majeure de Michel Colombe et de ses collaborateurs, récemment restaurée, le Tombeau de François II, duc de Bretagne, et de sa femme Marguerite de Foix, réalisé de 1502 à 1507.
Une redécouverte de ces oeuvres au prisme des derniers apports de la recherche, menée notamment à l'occasion de leur restauration respective. -
Ghiberti à Lyon : La Porte du Paradis, du moulage à sa restauration (1841-2025)
Collectif
- Pu De Lyon
- 27 Mars 2025
- 9782729714772
Emblématique de la Renaissance italienne, la Porte du Paradis, oeuvre monumentale en bronze doré réalisée entre 1425 et 1452 pour le baptistère de Florence par Lorenzo Ghiberti, n'a fait l'objet que de trois moulages intégraux durant sa longue histoire. Ces derniers ont permis la production de nombreux tirages en plâtre et la diffusion de ce chef-d'oeuvre dans le monde entier au XIXe et au XXe siècles au sein des académies européennes des beaux-arts, universités et collections particulières, à des fins pédagogiques et artistiques.
Acquis en 1841 par la ville de Lyon et exposé dans la grande salle du musée des Beaux-Arts, le tirage en plâtre lyonnais est cédé en 1936 à la faculté des lettres. Faute de place, il est alors démonté et déplacé de réserve en réserve pendant quatre-vingt-sept ans.
En 2025, cette oeuvre retrouve sa place au sein du musée des Moulages de l'université Lumière Lyon 2 après une campagne de restauration hors norme, que relate cet ouvrage richement illustré, notamment par les élèves dessinateurs de l'école Émile Cohl. -
Connaissance des arts Hors-Série : Germaine Richier
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 1 Mars 2023
- 9782758011637
Germaine Richier, née en 1902 et morte en 1959, est une sculptrice française. Elle est une artiste relativement méconnue du grand public, qui notamment a la faveur de la redécouverte des artistes féminines, bénéficiera d'une rétrospective dans 2 institutions françaises
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Le livre s'ouvre sur une mise en perspective historique de l'oeuvre de Penone par le critique d'art américain Benjamin Buchloh. Ensuite, à travers sept thématiques pensées et décrites par l'auteur belge Laurent Busine, on découvre le fil d'une oeuvre dense et complexe. Le souffle, le regard, la peau, le coeur, le sang, la mémoire, la parole sont autant de pierres de touche pour la découverte de «l'objet de la sculpture». Quant à l'auteur et critique d'art français Didier Semin, il déploie à partir de L'Arbre voyelle - sculpture réalisée en 1999 pour le jardin des Tuileries à Paris - l'histoire et la magie poétique de toute l'oeuvre de Penone. Depuis les premiers travaux jusqu'aux pièces récentes, en s'attardant aussi bien sur les sculptures, les dessins, les photographies que sur les écrits encore rarement publiés, la monographie révèle, au fil des pages, une oeuvre unique dans l'histoire de l'art moderne et contemporain.
Giuseppe Penone, né à Garessio en 1947, est un artiste majeur de la scène artistique internationale. Il est associé au mouvement de l'Arte povera, fondé par le critique d'art Germano Celant à la fin des années 1960. L'oeuvre de Penone se caractérise à la fois par la beauté de ses formes et de ses matériaux et par la vitalité d'une interrogation sur l'homme et la nature. Elle se confronte aux questions qui la dépassent, comme celles du temps, de l'être, du devenir et de la mémoire. Mettant l'accent autant sur le processus créateur que sur l'oeuvre elle-même, l'artiste s'identifie au fleuve, au souffle, à ce qui par essence est mouvement et vie. Il révèle le rythme incessant au coeur du cycle naturel qui, avec le temps, altère les êtres et les choses.
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« Mes moyens naturels sont la terre et le crayon. » « J'ai dessiné toute ma vie, j'ai commencé toute ma vie en dessinant ; je n'ai jamais cessé de dessiner. » Ces phrases d'allure si anodine sont pourtant des clés pour comprendre l'oeuvre de cet immense sculpteur pour qui le dessin a tant compté tout en restant un aspect de son travail inconnu du grand public. Le premier, il a délibérément travaillé sur les problèmes formels avant de faire intervenir le sens. Libre de combiner, d'assembler et de varier à l'infini, Rodin a ouvert la voie à toutes les audaces du XX° siècle. Cette place naturelle du dessin dans son oeuvre se traduit par plus de 7 000 dessins répertoriés et conservés au musée Rodin et dans d'autres collections, qui forment comme le récit de la quête passionnée d'une forme juste, exacte, vibrante. Des dessins « noirs » contemporains de La Porte de l'Enfer aux grands nus aquarellés, cet ouvrage offre un large panorama de son travail. En reproduisant 350 des plus beaux dessins de la collection du musée Rodin et des collections étrangères les plus importantes, dont un nombre considérable d'inédits, il a l'ambition de donner au public une idée aussi complète que possible d'une oeuvre graphique riche et souvent somptueuse. Une large étude retrace les différentes étapes de cette recherche, que viennent compléter deux essais de fond : l'un étudie les relations complexes entre les dessins et la sculpture chez Rodin, l'autre les problèmes de l'attribution et des déplacements de sens dans son oeuvre.
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Cet ouvrage kaléidoscopique présente Théo van Doesburg tel un propagandiste nomade, en permanente recherche d'une esthétique nouvelle qui, en interaction avec la science
