Véritable célébration de la montagne, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie dans un format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise.
Les montagnes, qui couvrent près des trois quarts de la superficie du Japon, sont depuis toujours omniprésentes dans la vie des Japonais, présences tutélaires et source inépuisable d'inspiration pour les plus célèbres artistes, tels Hokusai, Hiroshige ou encore Hasui, qui en ont donné des représentations d'une beauté exceptionnelle.
Bien plus qu'un simple élément de paysage, la montagne offre une multitude de significations culturelles, spirituelles et esthétiques, devenant tout à tour un symbole de transcendance et de spiritualité, mais aussi un lieu de méditation, ou plus simplement un univers d'exploration et de découverte.
Des plus fascinantes vues du mont Fuji, véritable icône sacrée du Japon, aux cascades vertigineuses creusée dans les rochers, des sentiers escarpés serpentant au coeur des forêts de pin, le long des routes emblématiques du Tokaido et du Kisokaido, ou conduisant à des temples et des sanctuaires accrochés à flanc de falaise, chacune de ces estampes révèle, au fil des saisons, une montagne mystérieuse et changeante, se tapissant tour à tour de cerisiers en fleurs au printemps ou d'érables rougeoyants à l'automne, se couvrant d'un manteau de neige immaculé en hiver.
Surgissant au détour d'un chemin, s'imposant dans le lointain ou surplombant un lac ou une rivière, la montagne s'affirme comme un motif récurrent, les artistes se plaisant à en varier les points de vue et les reliefs au fil de la journée, dans un spectacle permanent qui attire depuis des siècles les amoureux de la nature, mais aussi de nombreux voyageurs tels que des pèlerins, des commerçants, des curistes : solitaires ou en petits groupes, ils cheminent dans ces paysages grandioses et spectaculaires, la montagne devenant le symbole d'un voyage initiatique et des liens profonds qui unissent les artistes japonais à la nature. Lire la suite Fermer

Une anthologie du dessin de presse, du XIXe siècle à 2015.

Si l'irrévérence n'a pas d'âge et que les premières caricatures politiques existent sous forme de feuilles libres dès la fin du XVIIIe siècle, la liberté de la presse naît véritablement de la révolution de 1830. Le « dessin de presse » ou plus exactement « le dessin d'actualité » connaît alors une première et brève période faste. Cet exercice nouveau visant à utiliser le dessin comique pour critiquer la société et ses dirigeants devient un rendez-vous régulier des lecteurs de presse écrite. Bientôt, des journaux spécialement dédiés émergent. D'abord satire dessinée puis dessin politique, cette forme d'expression artistique devient incontournable, ses auteurs formant les ambassadeurs d'une pensée critique, provocatrice et libre. Ceci malgré un retour de la censure par intermittences, au gré des changements politiques.
Ce beau livre retrace l'histoire du dessin d'actualité, de la naissance des premières revues illustrées du début du XIXe siècle à la tragédie de Charlie Hebdo du 7 janvier 2015. Construit chronologiquement en chapitres centrés sur des périodes cohérentes, l'ouvrage dresse à chaque fois un panorama des supports emblématiques et des artistes qui les ont animés, tout en tenant compte du contexte historique et des grands enjeux politiques et sociaux de l'époque. Rythmé par les noms d'Honoré Daumier, Gus Bofa, Sennep, Effel, Siné, Reiser, Wolinski, Charb, Cabu, ou Mix & Remix, ce livre se veut autant un hommage au dessin politique qu'une exploration complète et savante d'une certaine histoire de la presse. Lire la suite Fermer

Georges Wolinksi avait vivement souhaité publier un livre aux Cahiers dessinés. Il nous l'a fait savoir plusieurs fois. Ç'aurait étéun choix d'oeuvres étalées sur toute sa carrière. Le destin en a voulu autrement. Aujourd'hui, quand la plupart de ses dessins sont déposés et réunis à la Bibliothèque nationale de France, il nous a été possible d'entreprendre ce choix. Les surprises ne manquent pas, notamment dans ses premiers travaux, exécutés en Algérie durant son service militaire. D'autres dessins de sa jeunesse figurent dans cette anthologie, entre autres de surprenants dessins de paysages et de musiciens. Ce Florilège comprend évidemment un nombre important de dessins politiques, satiriques et sociétaux qui ont fait de lui un des dessinateurs français les plus populaires.

Pacôme Thiellement, essayiste et vidéaste réputé, grand connaisseur de toute l'époque Hara-Kiri et Charlie Hebdo, qui a déjà préfacéde nombreux livres sur le sujet, a toujours eu une prédilection pour Wolinski. L'occasion pour lui de nous faire partager son enthousiasme.

Georges Wolinski est né le 29 juin 1934 à Tunis. Après des études d'architecture à l'École des beaux-arts de Paris, il fait paraître ses premiers dessins dans la revue Rustica. En 1961, il intègre l'équipe de Hara-Kiri où il réalise, entre autres, une adaptation dessinée de La Reine des pommes de Chester Himes. En 1968, il publie dans les très engagés L'Enragé et Action des dessins audacieux sur des sujets qui deviennent ses thèmes de prédilection : le sexe, la société, la politique. Rapidement, le succès est au rendez-vous, faisant de lui l'un des dessinateurs de presse les plus populaires de France. Collaborateur historique de Charlie Hebdo avec Gébé, Reiser, Cabu, Fred et Topor, il travaille également au Journal du dimanche, à France Soir, L'Humanité, Le Nouvel Observateur ou encore à Paris Match. Auteur de bandes dessinées et de très nombreux recueils de dessins, il est aussi un grand découvreur de talents, ayant publié dans Charlie Mensuel, dont il fut le rédacteur en chef de 1970 à 1981, des dessinateurs alors peu connus en France comme Guido Buzzelli, Charles Schulz ou Guido Crepax. En 2005, il obtient pour l'ensemble de son oeuvre le Grand Prix de la ville d'Angoulême. Le 7 janvier 2015, il est assassiné à Paris lors de l'attentat contre Charlie Hebdo. Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

LE LIVRE
À partir de la fin du XVIIIe siècle, alors que la société japonaise bénéficie d'un essor économique sans précédent, l'art et la manière de se vêtir connaissent un fort engouement. Signe d'appartenance sociale et de richesse, le vêtement devient un véritable phénomène de la mode. Largement diffusée, l'estampe ukiyo-e ("image du monde flottant"), qui s'attache à dépeindre les plaisirs du quotidien, se fait l'écho de ce nouveau goût pour l'apparence. Elle va jouer un rôle important comme outil de promotion des modèles vestimentaires mais également comme source d'inspiration pour les ateliers de conception.
Rivalisant d'élégance, voire d'extravagance, samouraïs, acteurs de kabuki, geisha et courtisanes prêtent leurs silhouettes à l'exhibition de somptueuses toilettes. Kimono, obi, furisode, haori ou kakimisho, soigneusement réhaussés d'une pléiade d'accessoires (chaussures, peignes, épingles à cheveux), montrent l'extrême sophistication des parures. Les planches reproduites dans ce livre illustrent les différentes techniques utilisées afin de magnifier ces vêtements éblouissants : shibori (tissu lié ou cousu qui était plongé dans un bain de tenture), kaki-e (peinture directe sur le tissu) ou encore katazome (dessin appliqué au pochoir).
Les artistes composent ainsi un répertoire de tenues aux couleurs chatoyantes, alliant l'harmonie des lignes à la délicatesse des motifs. Issues des riches collections du Victoria and Albert Museum, plus de 200 estampes des grands maîtres du genre (Utamaro, Kunisada, Kuniyoshi et Keisai Eisen ...) témoignent par leur flamboyance et leur raffinement de cette éblouissante culture de la mode à la fin de la période Édo. Lire la suite Fermer

Le papier est sans conteste l'une des plus grandes et des plus fascinantes inventions de l'humanité. C'est à une exploration de son univers merveilleux que nous convie la relieuse Julie Auzillon dans ce livre. Elle nous invite à un voyage autour du monde, à travers des visites de boutiques, de musées et d'ateliers d'artisans. Cette fascinante balade est ponctuée de récits historiques, d'informations techniques et de focus culturels.

Cet ouvrage présente ainsi toute la diversité du papier à travers le monde. Il ouvre le champ des possibles, en conjuguant le papier à l'infini, et en explorant sa fabrication, ses usages, les traditions auxquelles il est lié...

Une véritable invitation au voyage aux confluences de l'art, de l'artisanat, de la culture et du design ! Lire la suite Fermer

Présenté sous la forme d'un nuancier, Le design graphique en poche est l'acolyte parfait pour les graphistes ou créatifs. Il a été pensé et conçu pour contenir les notions essentielles à la pratique du design graphique au quotidien.

Cet opuscule est une véritable boîte à outils des connaissances fondamentales du graphisme. Les lecteurs y retrouveront des repères de l'histoire de la discipline, un glossaire de culture visuelle, un lexique français-anglais, des notions clés sur la couleur, la typographie, la composition, l'impression...

Condensé de savoirs concrets à portée de main, Le design graphique en poche est ponctué de schémas et d'illustrations didactiques pour encore plus de pédagogie et d'inspiration.

La méthode Hokusai est une compilation réunissant 15 livres imprimés sur bois de 10 titres différents. C'était son oeuvre ultime, servant à « préserver tout ce que j'ai appris».
Ce volume est une édition en fac-similé qui montre son approche ludique du dessin avec des images composées de lettres (sorte d'ancêtre des emoji d'aujourd'hui), des designs modernes.

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Cette splendide édition soigneusement éditée, en reliure japonaise et présentée dans un beau coffret de collection, rassemble les estampes des Trente-six vues du mont Fuji, l'une des séries les plus célèbres de l'artiste japonais sans doute le plus connu au monde, Katsushika Hokusai (1760-1849).
L'oeuvre est présentée ici dans sa version la plus complète, qui comprend également les dix estampes ajoutées ultérieurement par l'artiste en raison de son grand succès.
Le Fuji est magnifiquement représenté par le maître grâce à l'utilisation de la perspective occidentale et à sa conception très personnelle capable de combiner la dimension éternelle de la montagne avec la dimension terrestre représentée par les nombreuses activités humaines.
Chaque estampe est accompagné d'une fiche technique qui aide à l'interprétation de l'image, avec des références - dans la mesure du possible - au lieu réel auquel une vue particulière se réfère. Lire la suite Fermer

Sport, moyen de locomotion, symbole de culture populaire : le skate est tout cela mais bien plus encore. Des piscines vides de Los Angeles dans les 60's aux skate-parks des Jeux olympiques, de la côte basque au Trocadéro, sa pratique accessible au plus grand nombre - une simple planche à roulettes - s'est répandue à travers la planète. Cinéma, musique, streetwear, jeu vidéo, presse spécialisée, art, peu de secteurs et de territoires échappent à sa popularité. Les skateurs, leurs terrains de jeux, leurs équipements, ont amené l'avènement d'une culture de rue à part entière qui, en dépit d'une grande présence visuelle, demeure encore trop méconnue. Car la prouesse des figures, la spontanéité des regroupements, l'esprit de compétition, révèlent également le souci de la beauté du geste parfaitement maîtrisé - au prix souvent d'un dur apprentissage - et le souci de la transmission. Cet ouvrage vient rendre compte de ce phénomène et montre également comment des artistes et des street artistes renommés - Felipe Pantone, Shepard Fairey, Hopare, D*Face, {Speedy Graphito=>P}... - ont investi le domaine en créant des planches qui lui sont spécialement dédiées. Lire la suite Fermer

Renaud a toujours été un fidèle défenseur de la cause des enfants. De ses échanges avec Ernest Pignon-Ernest est né ce projet pour soutenir les actions de l'UNICEF. Ainsi, vingt artistes contemporains ont-ils chacun mis en images une des chansons choisies par Renaud dans son répertoire et ayant principalement pour thème l'enfance. La démarche engagée par Renaud et Ernest Pignon-Ernest, entourés de tous ces artistes, témoigne de leur générosité et de leur engagement pour que dans notre monde, chaque enfant puisse vivre et s'épanouir dans l'espoir d'un avenir meilleur. Avec des oeuvres de Jef Aérosol, Jean-Michel Alberola, Najah Albukaï, Alione, Mustapha Boutadjine, C215, Robert Combas, Jo Di Bona, Hervé Di Rosa, Anna Foka , Philippe Garel, Speedy Graphito, Bilal Hamdad, Rouge Hartley, Sêma Lao, Nelly Maurel, Françoise Pétrovitch, Ernest Pignon-Ernest, Cristina Ruiz Guinazù, Catherine Viollet. Tous les droits d'auteur de cet ouvrage sont intégralement reversés au Fonds d'urgence de l'UNICEF. Lire la suite Fermer

Observez attentivement les gouttières, les armoires électriques, les recoins urbains, les toilettes de bars... Vous y verrez immanquablement une accumulation de stickers. Omniprésents dans la ville, ces autocollants sont à la fois outils de propagande politique, de guérilla marketing et d'expression artistique. Retour sur l'histoire de cet autocollant pas comme les autres, de ses débuts en tant qu'étiquette de prix à son explosion dans la culture visuelle et populaire comme symboles de rébellion - syndicats, partis politiques...-, de promotion - marques de surfwear et skatewear, artisans du coin... - et de créativité. 8 planches de stickers incluses.

Mais qui était l'inconnue de la Seine ? Comment Louis XIV a-t-il pu survivre à autant de problèmes de santé ? Quelles étaient les obsessions de Sissi ? Comment expliquer le mystère de la disparition d'Agatha Christie ? Les HISTORIES, c'est un rendez-vous historique et culturel qui a lieu sur le compte Instagram de Pauline Darley, un dimanche par mois, né de sa volonté de partager de façon ludique les histoires qui la fascinent.
Ce livre est le premier tome d'une série, brillamment illustré par Da Coffee Time (David Lanaspa).

Ouvrage culte !
La Manga de Hokusai (1760-1849) constitue une clef irremplaçable pour comprendre son art aux multiples facettes.
Riche de plus de 4000 dessins intégralement reproduits ici, et pour la première fois tous commentés, cet ouvrage offre une encyclopédie visuelle inégalée du Japon au début du XIXe siècle, de sa Nature comme de ses activités humaines, de ses croyances et de son imaginaire. Un tableau sans égal animé par le trait virtuose, précis et enjoué de Hokusai.

Pour la première fois, la totalité de ces dessins est reproduite à l'identique de l'édition originale et commentée du point de vue anthropologique, artistique et culturel planche après planche par Matthi Forrer, le spécialiste de Hokusai.

Véritable célébration des roses, des pivoines et des iris, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie en format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Car au pays du Soleil levant, les fleurs sont sacrées et dotées d'un langage secret, le hanakotoba. Majestueuses pivoines écarlates, symboles de richesse et de féminité, iris violets bordant de leurs tiges élancées les étangs et les rivières, roses délicates et odorantes entourées d'oiseaux, de papillons et de libellules : de Hokusai à Hiroshige, Utamaro ou Harunobu, les artistes dévoilent leur virtuosité picturale, alternant plans rapprochés spectaculaires sur les floraisons ou vues d'ensemble luxuriantes. Chacune de ces fleurs livre ses secrets dans des déclinaisons infinies de couleurs, de formes et de senteurs au coeur d'une nature préservée. Lire la suite Fermer

Ce « carnet d'une illustratrice » est un fac-similé du journal tenu par l'artiste britannique Jo Brown. Dans les moindres détails, elle zoome sur un champignon, un bourdon, un papillon, un oiseau... Un régal pour les sens, un hymne à la beauté du monde qui nous entoure et un appel à la sauvegarder à tout prix.

La série unique de paysages d'Utagawa Hiroshige, Cent vues célèbres d'Edo (aujourd'hui Tokyo), publiée pour la première fois dans les années 1850, compte parmi les collections d'estampes japonaises les plus connues et était révolutionnaire à l'époque. Certaines estampes de cette collection sont considérées comme l'une des plus belles oeuvres de tout l'art japonais.
Dans cette série, Hiroshige a capturé 118 lieux dans et autour d'Edo, l'actuelle Tokyo, pendant les quatre saisons et souvent à partir de perspectives uniques et inconnues jusqu'alors. Ces vues ont d'abord été imprimées dans des versions de luxe exquises, incorporant des caractéristiques innovantes de la gravure sur bois, telles que la gradation des couleurs. Il n'existe aujourd'hui aucune série complète des premières versions et cet ouvrage est le premier à présenter une série complète des premières impressions de luxe, provenant de 32 musées et collections privées différents.
L'auteur Andreas Marks a consulté 4 700 estampes pour compiler ce guide définitif des Cent vues célèbres d'Edo de Hiroshige. Marks présente les différentes versions imprimées ainsi que des images de référence montrant comment et où Hiroshige a puisé ses idées pour chaque vue - dans des livres et des illustrations antérieurs. Le résultat est un guide définitif qui permet de comprendre la complexité de la grande oeuvre de Hiroshige ainsi que la dynamique du marché japonais de l'estampe à cette époque. Lire la suite Fermer

Véritable célébration du printemps, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie dans un format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe.
Si les Japonais entretiennent une relation intense avec la nature et les saisons, le printemps est une des plus spectaculaires, tant par sa symbolique du renouveau que par sa force spirituelle.

De Hokusai à Hiroshige en passant par Harunobu ou Utamaro, chacune de ces estampes révèle la virtuosité avec laquelle les artistes transcrivent le jeu infini des floraisons, mais aussi l'expression sensible d'une poésie de l'éphémère.
Paysages parés du vert tendre des feuilles naissantes, blancheur immaculée des cerisiers en fleur, cascades de glycines pourpres et de roses sauvages au parfum délicat, promenades à l'ombre de luxuriants pruniers : chaque estampe exalte la beauté d'une nature en pleine métamorphose. Lire la suite Fermer

"L'intelligence artificielle est partout. Certains lui prêtent la capacité de changer la civilisation, à l'instar de l'écriture ou de l'informatique ; d'autres s'inquiètent de son incroyable pouvoir de destruction. Mais de quoi parle-t-on ?" Le spectaculaire succès du robot conversationnel ChatGPT, lancé fin 2022, a fait découvrir au grand public un échantillon des possibilités offertes par l'intelligence artificielle (IA) : pour le meilleur et pour le pire ? La prise de conscience de l'impératif de fixer un cadre au développement de l'IA semble s'accélérer ces derniers temps. En effet, cette avancée technologique soulève de vastes questions éthiques, juridiques, politiques, économiques... humaines, en somme, puisqu'elle bouleverse toutes les sphères de nos vies. Pour cet ouvrage, préfacé par le journaliste Olivier Tesquet et publié en partenariat avec Amnesty International, 120 dessins de presse du monde entier ont été sélectionnés par Cartooning for Peace - dont le réseau de 319 dessinatrices et dessinateurs s'étend à plus de 70 pays sur tous les continents - afin de saisir les enjeux au coeur du déploiement de l'IA, toujours avec humour et... intelligence ! Les droits d'auteur de ce livre sont reversés à Cartooning for Peace pour soutenir les dessinateurs de presse menacés. Lire la suite Fermer

À la manière d'un carnet de bord, ce Journal donne à voir la méthode de travail et les sources d'inspiration de Jochen Gerner.
Le travail quotidien de dessinateur impose d'apprendre à regarder avant de pouvoir créer. Il est amené à ressentir le réel et à interpréter les choses vues, afin de retranscrire graphiquement ses propres perceptions. Dans ce livre, Jochen Gerner revient sur quatre années d'observation et de création d'images. Il détaille son processus de travail lui permettant de publier chaque semaine des dessins de presse, de créer des livres illustrés ou des expositions. Le dessin est perçu comme un réservoir de trames, de pictogrammes, et se décline à travers le principe du recouvrement à l'encre sur une multitude de supports imprimés pour en étudier les détails.
Ce jumelage permanent de l'écrit et de l'image et cette inspiration quotidienne du réel ont incité Jochen Gerner à en retranscrire les effets, au fil des jours, sans régularité particulière.
Relevés de poussières ou de météores, observations de retombées de sable du Sahara ou d'amas de grêlons, réflexions sur la représentation des êtres et des choses, étude de formes abstraites ou de déambulations d'insectes, analyse des courbes d'un escalier hélicoïdal ou de centrales thermiques en coupe : chacune de ces situations ou micro-évènements advenant dans le quotidien vient dès lors alimenter l'inspiration de l'illustrateur et est ici retranscrite, en mots et en images. Cette figuration du monde par le dessin se confronte au minuscule et au gigantesque, à la sphère privée et aux guerres, aux accidents du quotidien et à la pandémie mondiale. Lire la suite Fermer

La première bible du tatouage fine-line avec les dernières tendances.
Depuis une dizaine d'années, les microtatouages sont de plus en plus recherchés et permettent au tatouage de se diffuser auprès d'un public plus large. Ce livre présente les réalisations d'une nouvelle génération de tatoueuses et tatoueurs pratiquant le fine-line dans le monde entier, dont les Français @leamati, @garaumarcos et @tarie.mattoo. Il réunit par ordre alphabétique ces trente-trois artistes, propose une sélection de leurs plus belles oeuvres, ainsi que des entretiens avec, entre autres, Eva Karabudak de l'Atelier Eva, Soltattoo et Edit Paints.

Véritable célébration des chats, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie en format accordéeon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Au Japon, le chat, présent dans le folklore, dans la poésie et les pièces de théâtre kabuki, est une figure emblématique. Tantôt adoré pour sa douceur, sa beauté et son rôle de porte-bonheur (le Maneki-neko), tantôt craint pour sa cruauté et ses pouvoirs surnaturels, devenant alors le Bakeneko, un chat monstrueux, vampire ou sorcier, il fascine depuis toujours. De Hokusai à Hiroshige en passant par Yoshitoshi et Kuniyoshi, ces estampes mettent en valeur ce félin mystérieux et fascinant, d'une beauté envoûtante.